« I'm Doing This Because I Want To Do It BETTER »

Pas plus tard qu'hier soir, je suis allée au Centre Pompidou (le jeudi, c'est le jour bien aimé des visites nocturnes) pour y découvrir la nouvelle exposition temporaire du sixième étage : Dreamlands (5 mai - 9 août).

Moi au début, forcément, j'avais ma petite idée sur la question. Dreamland -j'en avais souvent entendu parler- c'est le parc de Coney Island, dans l'état américain de New York, qui était vraiment dingue (on peut parler d'architecture du sensationnel, là) mais qui a été détruit par un incendie en 1911.

Et Coney Island, dans l'imaginaire collectif des jeunes gens qui s'intéressent plus à la musique et au cinéma qu'à l'architecture, ça fait directement penser à Lou Reed, baby, et à Requiem For A Dream. Mais ça donne déjà le ton.

Ainsi, c'est un univers quelque peu déroutant qui se matérialise devant nos yeux. Dans lequel l'imaginaire et la réalité se confondent. Tout ces nouveaux "dreamlands", qui cherchent à mêler rêve et divertissement et qui nourrissent les utopies et la création artistique, s'inscrivent dans le cadre d'une société de loisirs et s'imposent aussi comme de nouvelles normes urbaines et sociales. D'où l'exemple des métropoles récentes comme la ville de Shanghaï et son projet de neuf villes reproduites à l'intérieur. Un Disneyland pour adultes en somme. Les salles consacrées à Las Vegas et Dubaï sont assez révélatrices de ce genre de mutation urbaine. L'architecture à thème le long du "Strip" de Vegas, jusqu'au pastiche et au kitsch, est présentée finalement comme une colonisation du réel par la fiction.

Le début de l'exposition (parce qu'il aura fallu commencer par là) nous plonge dans le cadre des expositions universelles, avec notamment le pavillon de Salvador Dali pour la Foire internationale de New York de 1939. De l'art immergé dans la culture de masse, volontairement.

Parmi les oeuvres exposées, retenons, entre autres : une ville artificielle créée à partir d'os à mâcher pour chien ("Like it, Bite it!") ; un Balaiffel (balai en forme de Tour Eiffel qui a amassé un troupeau de petites Tour Eiffel souvenirs) ; un paravent représentant le derrière du panneau Hollywood (et de l'autre côté : il n'y plus rien, d'où le jeu du support-surface qui se retrouve également dans la ville elle-même) ; des tours de Manhattan présentées comme des automates faisant une sorte de gym tonique déconcertante devant un tas de détritus (matière avec laquelle les tours sont elles aussi formées) ; des photos d'objets courants qui sont positionnés de façon à représenter des monuments ou lieux célèbres ; un espace dédié à Kandor, capitale de la planète d'origine de Superman, Krypton ("la cité utopique du futur qui n'a jamais vu le jour").

À la fin des années 1950, le célèbre Walt Disney en personne, passionné d'urbanisme et de nouvelles technologies, imagine une cité du futur : EPCOT (Experimental Prototype Community Of Tomorrow) dont les dessins et maquettes sont visibles. « It's like the city of tomorrow ought to be. A city that caters to the people as a service function. It will be a planned, controlled community, a showcase for American industry and research, schools, cultural and educational opportunities. » Finalement, le projet s'éteint en même temps que son auteur, avant de resurgir en 1982 sous la forme d'un parc à thème.

Pour finir, un court-métrage très "ville-fantôme", dans lequel une ville créée ex nihilo est filmée pendant 26 minutes, reprend le titre de la ville érigée sous l'égide de la société Disney au début des années 1990 (Celebration). Encore une fois, le résultat est très flippant.

Dreamland brûle. Villes-décor, villes-collage, le reste suit "naturellement". Du copier/coller dans une monde à l'ère de sa reproduction. Démocratisation de la culture, utopie ou crise des représentations ?

Dreamland brûle.

« Appelez Ça Méditation, Ce Que Vous Voulez »

En fait, quand on aime l'art, on avoue facilement être fasciné par la suprématie de la capitale dans ce domaine. Oui, Paris regorge de petits galeries de tableaux, de sculptures ou encore de photographie. En ce qui concerne les installations, on trouve son compte également. En bref il est impossible de tout saisir, de tout percevoir : le temps manque et les parisiens sont pressés. Du reste, on n'a jamais fini de visiter tous les musées qui s'y concentrent, et où les touristes du monde entier se pressent.

Il y a par ailleurs les expositions immanquables, les grandes manifestations temporaires, celles dont tout le monde parle. Et on te met presque inconsciemment une pression d'enfer pour que tu y ailles.

"Pierre Soulages du 14 octobre 2009 au 8 mars 2010 au Centre Pompidou" est un événement qui rentre dans cette catégorie.

Alors j'y suis allée. Trois fois même.

Parce que le lieu est intéressant. Beaubourg est un bel exemple d'externalisation de ce qui est initialement rendu invisible à l'individu car considéré comme laid (et donc "anti-artistique" au demeurant), j'ai nommé la tuyauterie. Un choc architectural des années 1970 similaire à celui que connut l'inauguration de la Tour Eiffel (non mais n'a-t-on pas idée de mettre du métallique au-dessus du nez des gens ?). Aujourd'hui un grand centre culturel qui abrite une très belle collection permanente, et la perspective d'une belle vue sur le quartier de l'Hôtel de Ville depuis le haut du bâtiment auquel on accède par de ludiques escaliers roulants.

Mais aussi parce que l'artiste l'est tout autant (intéressant, je veux dire). Soulages est d'abord un peintre contemporain. C'est gênant : pas question de parler de modernité (Soulages me semble détaché de son époque), ni encore tout à fait de postérité. L'exposition retrace trente années de travail du peintre qui s'impose comme une grande figure de l'abstraction.

Main dans la main avec une petite tête blonde de quatre ans, j'ai ainsi progressé à travers les salles de l'expo pour découvrir cet itinéraire attractif. Brous de noix ("oh du marron couleur feuille morte"), fameux goudrons sur verre, et puis enfin les fameuses toiles plus représentatives du travail de l'artiste depuis les années 1950.

Parfois on se dit que celui-ci doit avoir des actions chez un producteur de peinture ou un truc comme ça : c'est impressionnant la dose qu'il peut utiliser sur certaines oeuvres (Eugène Leroy reste indétrônable cependant sur ce point).

Après un "berk c'est tout noir partout, paaaas beau" (beaucoup d'a priori aussi parmi quelques autres visiteurs qui observent d'un mauvais oeil cet art "simpliste" et "décidément trop sombre" : remarques comme "dans le genre insignifiant, je préférais encore Kandinsky" etc.), les yeux de l'enfant s'écarquillent, et on a le droit à un "wow, regarde, regarde, ça brille là".

Peintre du noir et de la lumière, c'est donc ça ! "Si l'on ne voit que du noir, c'est qu'on ne regarde pas la toile" a-t-il dit.

Moyens limités et nette sobriété (une absence de couleur) mais expression forte : c'est la découverte de "l'outrenoir" qui se matérialise grâce à la luminosité ambiante.

Au sortir de l'exposition, un couple enthousiaste est bien décidé à se procurer une reproduction photographique d'un des tableaux du peintre aveyronnais, et se rend finalement compte de son erreur (le blanc n'est qu'illusion d'optique, la clarté est en réalité tout autre). Bon, on va manger un muffin au café du premier étage ?

Un sourire pour finir fourni par la vidéo de l'artiste nonagénaire diffusée dans la dernière salle : l'art pictural reste à réinventer en permanence. Le message est : "Donnez à un petit enfant un pinceau, il vous fera des merveilles".

Le peinture n'est pas morte. On peut pousser un soupir de soulages-ment.